Franziska Beilfuß


Abschlussausstellung Bildende Kunst





Mittwoch, 18. Juli 2018 um 18:00 Uhr



Ausstellungsdauer 19.–22. Juli 2018


Öffnungszeiten Do 11–22 Uhr Fr 13–22 Uhr Sa 11–22 Uhr So 11–20 Uhr


Universität der Künste Berlin

Hardenbergstraße 33, Berlin-Charlottenburg



Herzlich möchte ich einladen in die Universität der Künste zur Meisterschülerausstellung.


Meine Arbeiten werden im Foyer in der Queergalerie rechts an der Stirnseite zu sehen sein.

Der Rundgang schließt an die Ausstellung an ab dem 19.Juli.

Wahrscheinlich werden in meinen ehemaligen Klassenräumen auch noch Arbeiten von mir zu sehen sein. (R.117/118/119).

Es beginnt eine aufregende Phase für mich nach dem Studium und im eigenen Atelier und ich freue mich sehr darauf!





Franziska Beilfuß KOKON


1.06- 05.07.2018


Eröffnung: 1.06.2018 18.00


Die Werkschau ist Dienstags und Donnerstags in der Zeit von 10 - 15 Uhr (und nach Vereinbarung) in den Räumen des AIV, Bleibtreustraße 33 (am Ku'damm), zu sehen.



Opening: 1.06.2018 18.00


AIV Bleibtreustraße 33, 10707 Berlin







































Pics or it did not happen



FRIDAY 27 APRIL 2018 AT 18:00H-

FRIDAY 4 MAY 2018 AT 18:00H


10 students from the University of Arts (UdK), Art School Weißensee and the Free University of Berlin explore the fears and hopes of Generation Y. The title puts in a nutshell what they express through paintings, sculptures, photography, installations, performance, video and sound art.


The vernissage is on Friday, April 27 at 18:00. It takes place at the exciting new exhibition space Kunstraum Potsdamerstr. BERLIN: an abandoned underground parking space at the heart of the gallery scene in Potsdamer Straße. The opening hours on the weekend are from 11:00 to 18:00


Don't miss this opportunity to discover new talents and to get in touch with the hopes and fears of Generation Y. Pics are allowed, because otherwise it does not happen.














KUNSTRAUM Potsdamer Straße

Potsdamer Str. 61/63

10785 Berlin







Interview mit Wolfram Schnelle (ArtSpringboard)

'Movement and transparency are the defining themes of my work' An interview with Franziska Beilfuß.

August 24, 2017

Franziska Beilfuß worked in theatre and studied at Central Saint Martins in London before completing her degree at UdK Berlin in 2017. Her paintings have an almost uncanny lightness to them.

Wolfram Schnelle: How did it start for you? When did you become interested in making art?

Franziska Beilfuß: I have always painted because it was a way for me to deal with problems and to communicate what I couldn't say in words.

I studied art in London, doing a foundation course at Central Saint Martins directly after finishing my A Levels. I was 18 at the time and I quickly realized that it was too early and that I needed to see the world before I’d be able to put it into my paintings. I was overwhelmed but I was also bored.

I decided that I needed to do something where I could be in contact with people and learn something about them. I worked at a theatre and started to direct as well. It all sort of fell into place and worked very well, but I didn’t stop painting. As a director you’re quite alone, although it might not seem that way. In the studio it’s an ‘honest’ solitude.

Painting is one of the freest and most direct ways of making art. It’s something I always wanted to do and it happened that at the theatre I met my future painting professor. We worked on a great play together but were both drawing at the same time. There’s a lot of waiting in theatre.

He looked at my drawings and told me that he had started teaching at UdK, which convinced me that it was the right moment to study art again. One of the nice things is that both my professor and I see painting and theatre as very closely related.

WS: Taking your final presentation as a point of departure, can you describe what motivated you to make the work?

FB: I knew that I wanted to create a visual oscillation. Oscillation is also a sound for me and it has to do with something oscillating or swinging between two poles. Imagine the oscillation of a sine wave – you have an amplitude that happens between two poles, which in the end creates the illusion of something whole through a sound. I think that’s a very nice metaphor for the principles of life or creation.

Our Western thinking is very influenced by dualistic thinking. I want to question this. It’s much more complex and, at the same time, the opposite poles are dependent upon eachother. Overcoming dualistic thinking is also a state that I experience when I’m painting and I try to visualize it conceptually. It’s a utopian thought that won’t remain utopian.


WS: What does an artwork need to have so that you think it’s successful, so that you say, ‘now I am happy with it’ and it’s finished.

FB: It needs to have soul. It needs to start being alive and stand on its own. It’s not just about getting to a ‘total idea’ but of overcoming it.

I get this term from Schiller. Because he has a romantic way of seeing the artist as a genius apart from society, he says that there is a dark or blurred total idea that's there from the beginning to the end. This is more a sort of context within which the artist works.



WS: Tell me something about the titles of your work.

FB: For my final presentation, I had the working title Oscillation and then I numbered the works, which helped me order them and put them in a sequence, but I also defined the maximum number of works that I was going to make in this series.

I liked it that way because it helped people reference specific works while at the same time I could avoid giving them titles that impose another layer of meaning or interpretation on the work. I don’t want to do the work for people by giving my work titles – I want the viewer to struggle somewhat.

WS: What inspires you, what informs your art?

FB: I would say that everything I experience finds its way into my art. My art is an output, a way of reflecting life.

I am not an artist who lives isolated in her own world. I am young and living in Berlin and there’s a lot going on.

Although sometimes I would like to just paint for a year by myself and do nothing else. I think painting requires that but almost nobody can deliver that nowadays. Painting is a craft, no matter what you paint. It is its own terrain with its nuances and details.

WS: Since you mention painting being a craft, maybe you can talk about the material you use and about your process.

FB: I would say that movement and transparency are the defining themes of the series I've been working on. That’s why I worked a lot with glass. I like to work in series – not exclusively but mostly – and because a series is usually a temporal sequence, with transparency it’s possible to create a temporal simultaneousness.

Foreground and background are the dominant distinctions when discussing a painting. For me there is no static foreground and background. That’s not how I perceive the world. That’s why I was grappling with painting for a long time and I was contemplating making films. It’s a big challenge to orient yourself, being a moving particle in a moving world, but that’s reality. We like to simplify it, but it’s only possible to simplify it if you’re aware of its complexity. Chaos and order are two very important aspects in my work. But I don’t have to choose one or the other. They’re opposites but they also require each other.

For example, I work on a very chaotic image for a while, move some elements to the front, let others wander, bury other things, flood them or dissolve them. I start thinking in elements when I work and I’ll say things such as ‘I’ll water this down or I’ll put some wind into this’.

That’s why I would say that my works are energetic force fields. But in the end they have to turn back into something I can explain with words, something I’m able to describe – they can’t remain as force fields that aren’t accessible or clear to me.

I think that exhibiting works is a sign that I’ve arrived at that stage of being able to turn them back into identifiable creations and that I understand the works. It’s about creating something light and simple that is simultaneously complex.


WS: How would you describe your experience at UdK Berlin? What did you learn in terms of your practice and personally?

FB: I made friends for life. I met some great people. They’re companions in suffering but there’s a constant cross-fertilization that’s taking place. That’s the most valuable takeaway. The rest is more of a bonus. I think I learned more when I was working than in the seminars.

WS: What’s next?

FB: I’ll spend another year here at UdK to do my ‘Meisterschüler’*. I think that word is funny because studying means to experiment, to learn, to disrupt oneself, to test oneself, to question, and to doubt oneself. But ‘Meisterschüler’ also means switching from being an apprentice to becoming a master. It almost sounds as if you could become a teacher afterwards! I plan to give myself a project for the year and take this time to create.


*The title "Meisterschüler/Meisterschülerin" is not to be compared with a master’s degree and has no equivalent in the Anglo-Saxon educational system. This title is an honour awarded only to the very best students in the German arts academy system.



01 DEZ 2016 – 12 JAN 2017



Burg Galerie im Volkspark

Burg Giebichenstein

Schleifweg 8a

06114 Halle (Saale)


Kuratiert von

Julia Kurz und Dr. Jule Reuter





Paul Altmann/Leipzig,

Franziska Beilfuß/Berlin,

Claudia Bieberstein/Dresden,

Tanja Hamester/München,

Martin Haufe/Leipzig,

Valentin Hessler/Dresden,

Sophie Kindermann/München,

Lisa Kottkamp/Halle,

Philine Kuhn/Halle,

Klasse Grossarth/Dresden

Jaqueline Lisboa Silva/ Braunschweig,

Jana Luck/Halle,

Nora Manthei/Halle,

Bruno Siegrist/Berlin,

Soma Sohrabi/Berlin,

Anne Weyler/Köln,

Frauke Zabel/München


Šejla Kamerić

Folke Köbberling

Thomas Kilpper

Nástio Mosquito

Wolfgang Tillmans


Vor dem Hintergrund der sich verschärfenden gesellschaftlichen Kontroversen um Flüchtlings-, Umwelt- und Klimapolitik, um Verteilungsszenarien und das richtige Krisenmanagement untersucht die Ausstellung in der Burg Galerie im Volkspark, wie sich junge Künstlerinnen und Künstler mit aktuellen Zeitfragen auseinandersetzen. Nehmen sie eine Haltung pro oder kontra ein? Und wenn ja, wie wird sie künstlerisch formuliert?

Die jungen Künstlerinnen und Künstler überschreiten mit ihren Arbeiten dabei oft Gattungsgrenzen und verbinden mehrere Medien wie Skulptur und Sound oder digitale und analoge Bildproduktion. Thematisch drehen sich die Arbeiten dabei unter anderem um die Frage, was zu tun sei, wenn rassistische Tendenzen zum Mainstream zu werden drohen (Klasse Prof. Ulrike Grossarth) oder wie es um den Zusammenhang von deutscher Politik und Rüstungsindustrie steht (Paul Altmann). Genauso im Fokus stehen Fragen nach Identität und Bildpolitik, werden Grenzen dekonstruiert oder die unbegrenzten Möglichkeiten und Zwänge des technischen Fortschritts thematisiert.

Fünf Gastbeiträge der international tätigen Künstlerinnen und Künstler Šejla Kamerić, Folke Köbberling, Thomas Kilpper, Nástio Mosquito sowie Wolfgang Tillmanns flankieren die Werke der Kunststudierenden und erweitern so das künstlerische Spannungsfeld, in dem sich die studentischen Arbeiten auf unterschiedliche Weise positionieren.

Begleitend zur Ausstellung Pro oder Kontra wird ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm angeboten. Gemeinsam mit den Künstlerinnen und Künstlern sowie geladenen Gästen wird dabei die Rolle zeitgenössischer künstlerischer Praxis und die Motivation ihrer Akteure zwischen vermeintlichem Relevanzdiktat und Autonomieanspruch diskutiert.

So verbindet die transdisziplinäre Veranstaltung Ist das Medium die Massage? am 1. Dezember 2016 von 14 bis 20 Uhr unterschiedliche Formen der Auseinandersetzung und des Austauschs wie Vortrag, Panel, Diskussion und Performance: Impulsreferate aus den Geisteswissenschaften sind ebenso Teil des Programms wie Artist Talks und zwei Diskussionspanels mit beteiligten Künstlerinnen, Künstlern und Gästen. Außerdem kommt die Hörspielfassung Adolf Hitler: Mein Kampf, Band 1 & 2 von Helgard Haug und Daniel Wetzel / Rimini Protokoll zur Aufführung und Martin Haufe hält eine Performance-Lecture.


Vorträge, Panel und Diskussionen bei Ist das Medium die Massage?:

Donnerstag, 1. Dezember 2016

14 bis 20 Uhr im Kleinen Saal des Volksparks, Schleifweg 8a, 06114 Halle (Saale)

Zur Veranstaltung werden Impulsreferate aus den Geisteswissenschaften gehalten und Artist Talks in der Ausstellung angeboten. Zudem findet eine Performance Lecture von Martin Haufe statt und das Hörspiel Adolf Hitler: Mein Kampf, Band 1 & 2 von Helgard Haug und Daniel Wetzel / Rimini Protokoll (WDR Hörspiel Produktion) wird aufgeführt. Zudem finden zwei Diskussionspanels mit den beteiligten Künstlerinnen, Künstlern und Gästen statt. In den Pausen werden Entspannungstechniken zur Stressbewältigung angeboten.

Der Eintritt ist frei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Kuratorinnenführung: Mittwoch, 7. Dezember 2016, 17 Uhr mit Kuratorin Julia Kurz. Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Filmprogramm: Mittwoch, 14. Dezember 2016, 17 Uhr. Filmvorführung Episode III: Enjoy Poverty (2008) von Renzo Martens mit anschließender Diskussion, moderiert von Prof. Andrea Zaumseil (Professorin für Plastik/Bildhauerei Metall, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Künstlerinnengespräch: Mittwoch, 11. Januar 2017, 17 Uhr. Künstlerinnengespräch mit Philine Kuhn, Jana Luck und Nora Manthei, moderiert von Dr. Jule Reuter. Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Führungen durch die Ausstellung: Jeden Sonntag um 15 Uhr führen Studierende der kunstpädagogischen Studiengänge durch die Ausstellung. Die Teilnahme ist kostenfrei.

Essay von Björn Dade über die Serienarbeiten Franziska Beilfuss


Der Begriff des Schwärmens versammelt in sich so Gegensätzliches wie militärischen Drill und

das Erratische des Insektenflugs, die doppelte Bewegung von Individuum und Vielzahl

respektive Kollektiv, das Schlingern mikroskopisch kleiner Elektronen in der Atomphysik

(wiewohl Abstraktion) wie auch – in kosmischer Dimension – nach Georg Heym "das dunkle

Volk der flatternden Plejaden" und andere offene Sternenhaufen, verstanden als Materie in

Raum in Bewegung. Schon im Buch Hiob heißt es: "Kannst du die Bande des Siebengestirns

zusammenbinden oder den Gürtel des Orion auflösen? [...] Weißt du des Himmels Ordnungen,

oder bestimmst du seine Herrschaft über die Erde?"

Etymologisch eng verwandt ist dem Schwarm das Schwirren, lautmalerisch: Sirren, worunter

sowohl Flügelschlag als auch das helle Summen der Mücke fallen, beides tönende Bewegung im

Hin und Her; ebenso: das statische Rauschen des Fernsehsignals zur Mitternacht wie auch der

tonlose Tanz von vom Wind verwirbelten, aufgestobenen Schneeflocken, dies "weiße, wirbelnde

Nichts", das den Hans Castorp mit "hexagonaler Regelmäßigkeit" herumirren läßt und zaubrisch

zuzudecken droht: Weh und wehe! Inmitten des Schneetreibens nimmt die Schwärmerei

totalitäre Züge an, bringt den jungen Protagonisten an seine Grenzen.

Denn auch das flackernde Irrlichtern individueller Zuneigung, die Begeisterung und Tollheit,

fiebrige Verzückung und hellichte Entzündung des Phantasten tragen alle das Schwärmerische in

sich, das Grenzgängerisch-Flanierende, den Drahtseilakt, sei es in der schwärmerischen Ekstase

der Liebe, die das Gegenüber sehnsüchtig überzeichnet und erhebt, sei es in religiöser

Erinnerlichkeit und Raserei, die den einzelnen Schwärmer teilhaftig werden läßt am

gemeinschaftlichen Bekenntnis, rauschhaft aufgehen in Körper und Lobpreis der Gemeinde:

Apotheose anstelle methodologischen (ideologischen?) Individualismus. In der Schwärmerei

artikuliert sich sowohl Besinnungslosigkeit als auch sinnlich-korporaler Akt: je die vereinzelte

menschliche Conditio transzendierende Bewegungen.

Wie George Steiner aufweist, ist unser Denken, dieser "Kern unserer Einzigartigkeit, [das]

innerste, privateste, verschlossenste Besitztum", das wir eignen – unsere Wesensbestimmung

schlechthin – paradoxerweise zugleich "milliardenfacher Gemeinplatz", eine Chiffre

menschlicher Existenz, derer Begriffe und Erfahrungen wir intimst-universell miteinander

teilen. Dabei sind unsere "Denkprozesse [...] in überwältigendem Maße diffus, ziellos, zerstreut,

versprengt und unbeobachtet. Sie sind, im wahrsten Sinne des Wortes, 'überall', was in

Wendungen wie 'kopflos sein', 'den Kopf verlieren' seinen Ausdruck findet." Sind wir in Form

und Gehalt also nur ineinander vermengtes schwärmerisches Moment?

Entsprechende Überlegungen leiten technologische Visionen, soziologische Konstrukte, Dys- und

Utopien. Schwarmintelligenz als individuelle Geworfenheit und Kontingenz ablösende

Zweckbestimmung menschlicher Erfahrung: durch Steuerung und Ordnung (ταχις) gelenkte

Kohärenz. Diesem positivistischen Erbe gehorcht auch das Credo der Komplexitätsreduzierung

durch Arbeitsteiligkeit, Fortschritt von Wissenschaft und Gesellschaft durch kumulative

(endliche) Beiträge, die Überwindung des horror vacui durch ein Postulat des Postindividuellen:

Synthese und Einfriedung bergen das Grundrauschen ein; mit Michel Serres gesprochen,

vervielfältigt sich das System hin auf einen "Binnenraum, [der] homogen, isotrop, [frei davon]"

ist. (Wird doch dem Schwärmerischen stets ein Pathologisches, zu Zivilisierendes, Domestizierendes

beigedacht.) Der Schwarm, als Organon, schließt die Unordnung ein – und damit aus.

Die Metapher des Schwarms vereint so das Ausschwärmen einer militärischen Einheit in

zielgerichteter Weise wie auch Phänomene der Interferenz von Information und physikalischer

Energie; sie evoziert den Bienenschwarm (Vogelschwarm) als potentiell bedrohliche

Angriffsformation in seiner Wechselbalgigkeit und molekulare Nanotechnologie, ambivalenter,

als Art chic oder auch apokalyptisches Grey-goo-Szenario; den Fischschwarm in seiner

ökonomischen Verwertungslogik sowie als Metonymie menschlichen Raubfischkapitalismus':

Ihnen allen eignet eine die je unmittelbare Asymmetrie und Dynamik gestaltende begriffliche

Fixierung auf den Schwarm als menschliche Grunderfahrung.

Franziska Beilfuss' Bilder greifen die Topologie des Schwarms prima facie über ihre räumliche

Gestaltung auf, über ihr Wechselspiel aus Licht und Schatten, Farbe und Monochromatik, und

eröffnen über spielerisch-modularisierbare Collagen aus Teilelementen, nicht unähnlich

Permutationen in der mathematischen Kombinatorik, einen assoziativen Raum, der im Wind

tänzelnde Blattreigen ebenso aufruft wie informationstechnologische Dual-Bit-Logiken, wie sie

dem modernen Individuum, bewußt, vorbewußt, unbewußt, alltäglich unterliegen. Schwärme

folgen Bewegungen von Anmut und strenger Gesetzlichkeit; – und nicht zuletzt hierin findet

sich der Mensch als Mensch auch wieder.

Publikation zur Ausstellung im Kreuzbergpavillion, mit Franziska Beilfuss, Markus Drapper, Rosa Lübbe, Florian Schramm, und Jens Klein, kuratiert von Anne Naundorf

erhältlich bei A.N.C. Projects

Welche Dinge behält der Mensch für sich? Welche sind im Verborgenen oder in der Öffentlichkeit sichtbar? Kann ein jeder in seinem privaten Haus er oder sie selbst sein?

Franziska Beilfuss hinterfragt das Profil der Dinge von Menschen und behauptet, es liegt den Suchmaschinen vor, die unmittelbar in jeder häuslichen Einrichtung existieren. Permanent werden private Informationen ins Netz gespeist, durch Algoithmen ein "selbst" definiert und der Besucher zum Konsumenten instrumentalisiet.

In Ihrer für die Ausstellung entstandenen Arbeit entwarf sie einen Paravent mit Zeichnungen und Malereien von ihren persönlichen Beobachtungen von Dingen in Haushalten in der Mongolei. Sie gibt dem Betrachter einen gedanklichen Anstoß, wie in der europäischen Kultur gelebt wird und welche Dinge als wertvoll erachtet werden.

Publikation zur Ausstellung „Ich beobachte dich“

mit Franziska Beilfuss, Markus Drapper, Florian Schramm..