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Franziska Beilfuß

Portfolio

Franziska Beilfuß thinks of painting as gestural superposition.

Transparency herewith plays the key role to the production and

reading of her paintings. The artist, which recently claimed

the title „Meisterschülerin“ of the University Of Arts Berlin,

focuses on the gap as space allowing the reunion of contrasts.

In her paintings we see this as thick layers of color facing uncanny hues,

almost aquarelle-like. This opposition is opening a conversation in space,

which Beilfuß calls oscillation, a movement, seeking to

unite figure and ground. 2018 she works out a number of works under

the title KOKON. In this series of large sized paintings, the artist displaces

cocoons intrinsic qualities into the field of painting, producing intervals,

thresholds – spaces of transformation and disclosure.

 

upcoming/ demnächst:

Kokon, Franziska Beilfuß, 2018

 

Le cocon est l’enveloppe soyeuse formée par la chenille autour d’elle-même, pour se métamorphoser en chrysalide puis en papillon.

Qu’adviendrait-il si nous avions affaire à une métaphore de la peinture ?

 

La série Kokon déploie les qualités intrinsèques de ce enveloppe filée par la chenille, en les déplaçant du côté de la peinture.

La relation entre le fond et la figure, indéterminée, surgit à travers une myriade d’ambiguïtés. Le seuil qui sépare la figure du fond se distingue par son intensité picturale au sein de chaque peinture. Il est comme un intervalle au milieu duquel fond et figure communiquent et se confondent. Il s’agit d’une frontière ouverte sur un espace soit clos soit infini. Les entrelacs formés par la surface et la profondeur de la peinture ainsi que les jeux de transparence et d’opacité rappellent la métamorphose de la chenille en papillon. Une tension dialogique nait alors de l’entrelacement du fond et de la figure, des rimes entre formes et couleurs. Ces effets réalisent l’unité rythmique de la peinture. Ils structurent l’espace au fil d’un mouvement de systole et de diastole. Le regard oscille et s’aventure au sein d’une réalité cachée. Il explore les vibrations libérées par les œuvres qu’il pénètre. Le cocon apparaît ainsi comme l’instant fécond de la vie de l’insecte métamorphique.

 

Deux peintures appartenant à la série semblent exemplaires: Kokon 4 et Kokon 6.

Kokon 4 est la concrétisation dynamique du processus biologique de la métamorphose. La disposition des lignes de couleurs laisse la liberté à l’œil d’être guidé par le sens des aiguilles d’une montre. Le spectateur est le témoin de l’apparition et de la disparition de la peinture comme le suggère l’espace vide de la composition. On ne peut s’empêcher de penser que l’allure de l’aiguille d’une horloge rythme la représentation et rend visible le temps. La ligne bleue semble quant à elle appartenir au présent et embrasser l’acte de perception. Cette ligne bleue résonne avec le scintillement des traces de traits épais, se dissolvant dans les couleurs alentours et représentés par les coups de pinceaux discontinus qui peuplent la toile.

 

Kokon 6 suit la logique d’une double dynamique spatiale, centrifuge et centripète. La forme centrale quadrillée qui encadre la couleur est comme la réminiscence d’une fenêtre ou d’une palette. Elle est le lieu d’une ambiguïté. Elle “creuse” la toile et lui permet en même temps d’être projeté en avant d’elle-même. Elle attire et magnétise les couleurs qui gravitent autour d’elle aussi bien qu’elle distribue ces mêmes couleurs dans les marges de la toile à travers une série d’aplats. Les correspondances entre la forme centrale et ce qui l’entoure sont intensifiées par le traitement hétérogène de la peinture. L’intérieur de la forme se compose de surfaces nuancées, de superpositions de couches colorées et d’une variété extraordinaire de coups de pinceau, couplée à des jeux complexes d’opacité et de transparence.

Les surfaces à l’extérieur de la forme se composent à l’inverse d’aplats lisses qui mettent en lumière les qualités de la couleur.

 

Kokon 4 et 6, á l’instar des autres œuvres de la série, apparaissent être l'expression d'un changement permanent.

Elles démontrent par leur force qu’elles ne sont pas imago, selon le terme employé en biologie pour désigner le stade final du cycle de vie d’un insecte (soit le papillon pour le lépidoptère). Elles sont des peintures vivantes.

 

Théo de Luca

 

 

 

 

 

 

 

Kokon, Franziska Beilfuß, 2018

 

Der Kokon ist eine Seidenhülle von einer Raupe um sich gesponnen, um die Metamorphose zu einer Puppe und dann einem Schmetterling zu vollziehen. Was geschieht wenn wir den Kokon als eine Metapher der Malerei betrachten?

Die Werkreihe Kokon entfaltet die ureigensten Eigenschaften der von der Raupe gesponnenen Hülle und überträgt sie ins Feld der Malerei. Die Beziehung zwischen dem Hintergründlichem und dem Figürlichen ist ungreifbar und wird durch eine Vielzahl von Widersprüchen hervorgebracht. In jedem dieser Bilder zeichnet sich die, Figur und Hintergrund voneinander trennende, Schwelle durch malerische Intensität aus. Sie ist wie ein Intervall, durch welches Hintergrund und Figürliches kommunizieren und schließlich ineinander übergehen. Es handelt sich um offene Grenzen zu geschlossenen oder offenen Räumen. Die Flechtwerke zwischen Oberfläche und Tiefe des Bildes, sowie das Spiel aus Transparenz und Opazität, erinnern an die Metamorphose der Raupe zum Schmetterling. Es entsteht eine gesprächige Spannung der Verbindungen zwischen Formen und Hintergründen, Reime zwischen Formen und Farben. Diese Effekte schaffen die rhythmische Einheit der Bilder. Sie strukturieren den Raum wie mit Bewegungen systolischer und diastolischer Art. Der Blick oszilliert und wagt sich in eine verborgene Realität. Es erschließt sich die durch die Bilder freigesetzten Vibrationen. Der Kokon erscheint nun wie das fruchtbarste Stadium in der Metamorphose der Insekten.

 

Zwei Bilder dieser Serie, Kokon 4 und Kokon 6, können als Beispiel dienen:

Kokon 4 scheint eine dynamische Verkörperung des biologischen Prozesses der Metamorphose zu sein. Die Anordnung der Farblinien lässt dem Auge die Freiheit, sich im Uhrzeigersinn leiten zu lassen. Durch die ausgelassene Stelle, an der die Leinwand durchscheint, bietet sich eine Lesart des in Erscheinung- Tretens, des Auftauchens oder aber des Verschwindens der Malerei an. Der Betrachter verinnerlicht Zeitlichkeit, was dem die dynamische Bewegung des einem fortschreitenden Uhrzeiger ähnelndem Aufbaus an Form und Farbe geschuldet sein mag. Die blaue Linie erscheint wie der Jetztzeit angehörig, stimmt mit dem Moment des Betrachtens überein, ist konsistent. Diese blaue Linie bringt die Bruchstücke von pastosen Spuren, die sich in die umgebenden Farben auflösen und die mit unterbrochenen Pinselstrichen die Leinwand bewohnen, mit in Schwingung.

 

Kokon 6 folgt der Logik einer doppelten räumlichen Dynamik, zentrifugaler und zentripetaler Art. Die zentrale Quadrat- ähnliche Form, die die Bilder umrahmt, erinnert an ein Fenster oder an eine Malerpalette. Sie vollbringt das scheinbar Widersprüchliche, sich sowohl in die Leinwand zu graben, als auch das Bild aus dieser heraus zu projizieren. Sie zieht die, wie durch Gravitationskraft um sie kreisenden Farben an und verteilt sie gleichzeitig auf die Ränder der Leinwand mit Hilfe einer Serie von monochromen Flächen. Diese Verbindungen zwischen Form und Umfeld werden durch den variierenden Umgang mit dem Material Farbe verstärkt. Innerhalb dieser Form verweben sich: nuancierte Flächen, farbige, sich überlagernde Schichten von außergewöhnlicher Vielfalt des Farbauftrages, gepaart mit komplexen Spielen zwischen Dichte und Transparenz.

Im Gegensatz dazu stehen die ruhigen Flächen außerhalb der Form, die die Qualitäten der gegebenen Farben ins Licht bringen.

 

Kokon 4 und 6, sowie die anderen Bilder dieser Serie scheinen Ausdruck permanenter Wandlung zu sein. Sie demonstrieren mit Stärke, dass sie kein fixiertes Stadium darstellen, nicht Imago sind, um es mit den Worten der Biologie auszudrücken, die so das Endstadium des Insektenlebens ( zum Beispiel der Schmetterlinge im Falle der Lepidoptere) benennt. Sie sind lebendige Malerei.

 

Théo de Luca

Abschlussausstellung Bildende Kunst

 

 

 

Eröffnung

Mittwoch, 18. Juli 2018 um 18:00 Uhr

 

 

Ausstellungsdauer 19.–22. Juli 2018

 

Öffnungszeiten Do 11–22 Uhr Fr 13–22 Uhr Sa 11–22 Uhr So 11–20 Uhr

 

Universität der Künste Berlin

Hardenbergstraße 33, Berlin-Charlottenburg www.udk-berlin.de

 

 

Herzlich möchte ich einladen in die Universität der Künste zur Meisterschülerausstellung.

 

Meine Arbeiten werden im Foyer in der Queergalerie rechts an der Stirnseite zu sehen sein.

Der Rundgang schließt an die Ausstellung an ab dem 19.Juli.

Wahrscheinlich werden in meinen ehemaligen Klassenräumen auch noch Arbeiten von mir zu sehen sein. (R.117/118/119).

Es beginnt eine aufregende Phase für mich nach dem Studium und im eigenen Atelier und ich freue mich sehr darauf!

 

 

 

 

Franziska Beilfuß KOKON

 

1.06- 05.07.2018

 

Eröffnung: 1.06.2018 18.00

 

Die Werkschau ist Dienstags und Donnerstags in der Zeit von 10 - 15 Uhr (und nach Vereinbarung) in den Räumen des AIV, Bleibtreustraße 33 (am Ku'damm), zu sehen.

 

 

Opening: 1.06.2018 18.00

 

AIV Bleibtreustraße 33, 10707 Berlin

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pics or it did not happen

 

PICS OR IT DID NOT HAPPEN!

FRIDAY 27 APRIL 2018 AT 18:00H-

FRIDAY 4 MAY 2018 AT 18:00H

POTSDAMER STR. 61/63 BERLIN 10785 BERLIN

10 students from the University of Arts (UdK), Art School Weißensee and the Free University of Berlin explore the fears and hopes of Generation Y. The title puts in a nutshell what they express through paintings, sculptures, photography, installations, performance, video and sound art.

 

The vernissage is on Friday, April 27 at 18:00. It takes place at the exciting new exhibition space Kunstraum Potsdamerstr. BERLIN: an abandoned underground parking space at the heart of the gallery scene in Potsdamer Straße. The opening hours on the weekend are from 11:00 to 18:00

 

Don't miss this opportunity to discover new talents and to get in touch with the hopes and fears of Generation Y. Pics are allowed, because otherwise it does not happen.

 

Artistis:

ANNA RUPPRECHT

FRANZIKA BEILFUß

FRIEDERIKE GOEBBELS

HARA SHIN

INIA STEINBACH

JAKOB URBAN

LEA SCHMITT

LISA SCHMIDT

DAVID REITENBACH

LUDWIG PFEIFFER

 

KUNSTRAUM Potsdamer Straße

Potsdamer Str. 61/63

10785 Berlin

 

 

 

 

 

 

Interview mit Wolfram Schnelle (ArtSpringboard)

'Movement and transparency are the defining themes of my work' An interview with Franziska Beilfuß.

August 24, 2017

Franziska Beilfuß worked in theatre and studied at Central Saint Martins in London before completing her degree at UdK Berlin in 2017. Her paintings have an almost uncanny lightness to them.

Wolfram Schnelle: How did it start for you? When did you become interested in making art?

Franziska Beilfuß: I have always painted because it was a way for me to deal with problems and to communicate what I couldn't say in words.

I studied art in London, doing a foundation course at Central Saint Martins directly after finishing my A Levels. I was 18 at the time and I quickly realized that it was too early and that I needed to see the world before I’d be able to put it into my paintings. I was overwhelmed but I was also bored.

I decided that I needed to do something where I could be in contact with people and learn something about them. I worked at a theatre and started to direct as well. It all sort of fell into place and worked very well, but I didn’t stop painting. As a director you’re quite alone, although it might not seem that way. In the studio it’s an ‘honest’ solitude.

Painting is one of the freest and most direct ways of making art. It’s something I always wanted to do and it happened that at the theatre I met my future painting professor. We worked on a great play together but were both drawing at the same time. There’s a lot of waiting in theatre.

He looked at my drawings and told me that he had started teaching at UdK, which convinced me that it was the right moment to study art again. One of the nice things is that both my professor and I see painting and theatre as very closely related.

WS: Taking your final presentation as a point of departure, can you describe what motivated you to make the work?

FB: I knew that I wanted to create a visual oscillation. Oscillation is also a sound for me and it has to do with something oscillating or swinging between two poles. Imagine the oscillation of a sine wave – you have an amplitude that happens between two poles, which in the end creates the illusion of something whole through a sound. I think that’s a very nice metaphor for the principles of life or creation.

Our Western thinking is very influenced by dualistic thinking. I want to question this. It’s much more complex and, at the same time, the opposite poles are dependent upon eachother. Overcoming dualistic thinking is also a state that I experience when I’m painting and I try to visualize it conceptually. It’s a utopian thought that won’t remain utopian.

 

WS: What does an artwork need to have so that you think it’s successful, so that you say, ‘now I am happy with it’ and it’s finished.

FB: It needs to have soul. It needs to start being alive and stand on its own. It’s not just about getting to a ‘total idea’ but of overcoming it.

I get this term from Schiller. Because he has a romantic way of seeing the artist as a genius apart from society, he says that there is a dark or blurred total idea that's there from the beginning to the end. This is more a sort of context within which the artist works.

 

 

WS: Tell me something about the titles of your work.

FB: For my final presentation, I had the working title Oscillation and then I numbered the works, which helped me order them and put them in a sequence, but I also defined the maximum number of works that I was going to make in this series.

I liked it that way because it helped people reference specific works while at the same time I could avoid giving them titles that impose another layer of meaning or interpretation on the work. I don’t want to do the work for people by giving my work titles – I want the viewer to struggle somewhat.

WS: What inspires you, what informs your art?

FB: I would say that everything I experience finds its way into my art. My art is an output, a way of reflecting life.

I am not an artist who lives isolated in her own world. I am young and living in Berlin and there’s a lot going on.

Although sometimes I would like to just paint for a year by myself and do nothing else. I think painting requires that but almost nobody can deliver that nowadays. Painting is a craft, no matter what you paint. It is its own terrain with its nuances and details.

WS: Since you mention painting being a craft, maybe you can talk about the material you use and about your process.

FB: I would say that movement and transparency are the defining themes of the series I've been working on. That’s why I worked a lot with glass. I like to work in series – not exclusively but mostly – and because a series is usually a temporal sequence, with transparency it’s possible to create a temporal simultaneousness.

Foreground and background are the dominant distinctions when discussing a painting. For me there is no static foreground and background. That’s not how I perceive the world. That’s why I was grappling with painting for a long time and I was contemplating making films. It’s a big challenge to orient yourself, being a moving particle in a moving world, but that’s reality. We like to simplify it, but it’s only possible to simplify it if you’re aware of its complexity. Chaos and order are two very important aspects in my work. But I don’t have to choose one or the other. They’re opposites but they also require each other.

For example, I work on a very chaotic image for a while, move some elements to the front, let others wander, bury other things, flood them or dissolve them. I start thinking in elements when I work and I’ll say things such as ‘I’ll water this down or I’ll put some wind into this’.

That’s why I would say that my works are energetic force fields. But in the end they have to turn back into something I can explain with words, something I’m able to describe – they can’t remain as force fields that aren’t accessible or clear to me.

I think that exhibiting works is a sign that I’ve arrived at that stage of being able to turn them back into identifiable creations and that I understand the works. It’s about creating something light and simple that is simultaneously complex.

 

WS: How would you describe your experience at UdK Berlin? What did you learn in terms of your practice and personally?

FB: I made friends for life. I met some great people. They’re companions in suffering but there’s a constant cross-fertilization that’s taking place. That’s the most valuable takeaway. The rest is more of a bonus. I think I learned more when I was working than in the seminars.

WS: What’s next?

FB: I’ll spend another year here at UdK to do my ‘Meisterschüler’*. I think that word is funny because studying means to experiment, to learn, to disrupt oneself, to test oneself, to question, and to doubt oneself. But ‘Meisterschüler’ also means switching from being an apprentice to becoming a master. It almost sounds as if you could become a teacher afterwards! I plan to give myself a project for the year and take this time to create.

 

*The title "Meisterschüler/Meisterschülerin" is not to be compared with a master’s degree and has no equivalent in the Anglo-Saxon educational system. This title is an honour awarded only to the very best students in the German arts academy system.

 

Dauer

01 DEZ 2016 – 12 JAN 2017

 

Ort

Burg Galerie im Volkspark

Burg Giebichenstein

Schleifweg 8a

06114 Halle (Saale)

 

www.burg-halle.de

 

Kuratiert von

Julia Kurz und Dr. Jule Reuter

 

Pressemitteilung

www.burg-halle.de

 

 

Paul Altmann/Leipzig,

Franziska Beilfuß/Berlin,

Claudia Bieberstein/Dresden,

Tanja Hamester/München,

Martin Haufe/Leipzig,

Valentin Hessler/Dresden,

Sophie Kindermann/München,

Lisa Kottkamp/Halle,

Philine Kuhn/Halle,

Klasse Grossarth/Dresden

Jaqueline Lisboa Silva/ Braunschweig,

Jana Luck/Halle,

Nora Manthei/Halle,

Bruno Siegrist/Berlin,

Soma Sohrabi/Berlin,

Anne Weyler/Köln,

Frauke Zabel/München

 

Šejla Kamerić

Folke Köbberling

Thomas Kilpper

Nástio Mosquito

Wolfgang Tillmans

 

Vor dem Hintergrund der sich verschärfenden gesellschaftlichen Kontroversen um Flüchtlings-, Umwelt- und Klimapolitik, um Verteilungsszenarien und das richtige Krisenmanagement untersucht die Ausstellung in der Burg Galerie im Volkspark, wie sich junge Künstlerinnen und Künstler mit aktuellen Zeitfragen auseinandersetzen. Nehmen sie eine Haltung pro oder kontra ein? Und wenn ja, wie wird sie künstlerisch formuliert?

Die jungen Künstlerinnen und Künstler überschreiten mit ihren Arbeiten dabei oft Gattungsgrenzen und verbinden mehrere Medien wie Skulptur und Sound oder digitale und analoge Bildproduktion. Thematisch drehen sich die Arbeiten dabei unter anderem um die Frage, was zu tun sei, wenn rassistische Tendenzen zum Mainstream zu werden drohen (Klasse Prof. Ulrike Grossarth) oder wie es um den Zusammenhang von deutscher Politik und Rüstungsindustrie steht (Paul Altmann). Genauso im Fokus stehen Fragen nach Identität und Bildpolitik, werden Grenzen dekonstruiert oder die unbegrenzten Möglichkeiten und Zwänge des technischen Fortschritts thematisiert.

Fünf Gastbeiträge der international tätigen Künstlerinnen und Künstler Šejla Kamerić, Folke Köbberling, Thomas Kilpper, Nástio Mosquito sowie Wolfgang Tillmanns flankieren die Werke der Kunststudierenden und erweitern so das künstlerische Spannungsfeld, in dem sich die studentischen Arbeiten auf unterschiedliche Weise positionieren.

Begleitend zur Ausstellung Pro oder Kontra wird ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm angeboten. Gemeinsam mit den Künstlerinnen und Künstlern sowie geladenen Gästen wird dabei die Rolle zeitgenössischer künstlerischer Praxis und die Motivation ihrer Akteure zwischen vermeintlichem Relevanzdiktat und Autonomieanspruch diskutiert.

So verbindet die transdisziplinäre Veranstaltung Ist das Medium die Massage? am 1. Dezember 2016 von 14 bis 20 Uhr unterschiedliche Formen der Auseinandersetzung und des Austauschs wie Vortrag, Panel, Diskussion und Performance: Impulsreferate aus den Geisteswissenschaften sind ebenso Teil des Programms wie Artist Talks und zwei Diskussionspanels mit beteiligten Künstlerinnen, Künstlern und Gästen. Außerdem kommt die Hörspielfassung Adolf Hitler: Mein Kampf, Band 1 & 2 von Helgard Haug und Daniel Wetzel / Rimini Protokoll zur Aufführung und Martin Haufe hält eine Performance-Lecture.

Begleitprogramm:

Vorträge, Panel und Diskussionen bei Ist das Medium die Massage?:

Donnerstag, 1. Dezember 2016

14 bis 20 Uhr im Kleinen Saal des Volksparks, Schleifweg 8a, 06114 Halle (Saale)

Zur Veranstaltung werden Impulsreferate aus den Geisteswissenschaften gehalten und Artist Talks in der Ausstellung angeboten. Zudem findet eine Performance Lecture von Martin Haufe statt und das Hörspiel Adolf Hitler: Mein Kampf, Band 1 & 2 von Helgard Haug und Daniel Wetzel / Rimini Protokoll (WDR Hörspiel Produktion) wird aufgeführt. Zudem finden zwei Diskussionspanels mit den beteiligten Künstlerinnen, Künstlern und Gästen statt. In den Pausen werden Entspannungstechniken zur Stressbewältigung angeboten.

Der Eintritt ist frei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Kuratorinnenführung: Mittwoch, 7. Dezember 2016, 17 Uhr mit Kuratorin Julia Kurz. Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Filmprogramm: Mittwoch, 14. Dezember 2016, 17 Uhr. Filmvorführung Episode III: Enjoy Poverty (2008) von Renzo Martens mit anschließender Diskussion, moderiert von Prof. Andrea Zaumseil (Professorin für Plastik/Bildhauerei Metall, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle). Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Künstlerinnengespräch: Mittwoch, 11. Januar 2017, 17 Uhr. Künstlerinnengespräch mit Philine Kuhn, Jana Luck und Nora Manthei, moderiert von Dr. Jule Reuter. Die Teilnahme ist kostenfrei, eine Anmeldung nicht erforderlich.

Führungen durch die Ausstellung: Jeden Sonntag um 15 Uhr führen Studierende der kunstpädagogischen Studiengänge durch die Ausstellung. Die Teilnahme ist kostenfrei.

Essay von Björn Dade über die Serienarbeiten Franziska Beilfuss

 

Der Begriff des Schwärmens versammelt in sich so Gegensätzliches wie militärischen Drill und

das Erratische des Insektenflugs, die doppelte Bewegung von Individuum und Vielzahl

respektive Kollektiv, das Schlingern mikroskopisch kleiner Elektronen in der Atomphysik

(wiewohl Abstraktion) wie auch – in kosmischer Dimension – nach Georg Heym "das dunkle

Volk der flatternden Plejaden" und andere offene Sternenhaufen, verstanden als Materie in

Raum in Bewegung. Schon im Buch Hiob heißt es: "Kannst du die Bande des Siebengestirns

zusammenbinden oder den Gürtel des Orion auflösen? [...] Weißt du des Himmels Ordnungen,

oder bestimmst du seine Herrschaft über die Erde?"

Etymologisch eng verwandt ist dem Schwarm das Schwirren, lautmalerisch: Sirren, worunter

sowohl Flügelschlag als auch das helle Summen der Mücke fallen, beides tönende Bewegung im

Hin und Her; ebenso: das statische Rauschen des Fernsehsignals zur Mitternacht wie auch der

tonlose Tanz von vom Wind verwirbelten, aufgestobenen Schneeflocken, dies "weiße, wirbelnde

Nichts", das den Hans Castorp mit "hexagonaler Regelmäßigkeit" herumirren läßt und zaubrisch

zuzudecken droht: Weh und wehe! Inmitten des Schneetreibens nimmt die Schwärmerei

totalitäre Züge an, bringt den jungen Protagonisten an seine Grenzen.

Denn auch das flackernde Irrlichtern individueller Zuneigung, die Begeisterung und Tollheit,

fiebrige Verzückung und hellichte Entzündung des Phantasten tragen alle das Schwärmerische in

sich, das Grenzgängerisch-Flanierende, den Drahtseilakt, sei es in der schwärmerischen Ekstase

der Liebe, die das Gegenüber sehnsüchtig überzeichnet und erhebt, sei es in religiöser

Erinnerlichkeit und Raserei, die den einzelnen Schwärmer teilhaftig werden läßt am

gemeinschaftlichen Bekenntnis, rauschhaft aufgehen in Körper und Lobpreis der Gemeinde:

Apotheose anstelle methodologischen (ideologischen?) Individualismus. In der Schwärmerei

artikuliert sich sowohl Besinnungslosigkeit als auch sinnlich-korporaler Akt: je die vereinzelte

menschliche Conditio transzendierende Bewegungen.

Wie George Steiner aufweist, ist unser Denken, dieser "Kern unserer Einzigartigkeit, [das]

innerste, privateste, verschlossenste Besitztum", das wir eignen – unsere Wesensbestimmung

schlechthin – paradoxerweise zugleich "milliardenfacher Gemeinplatz", eine Chiffre

menschlicher Existenz, derer Begriffe und Erfahrungen wir intimst-universell miteinander

teilen. Dabei sind unsere "Denkprozesse [...] in überwältigendem Maße diffus, ziellos, zerstreut,

versprengt und unbeobachtet. Sie sind, im wahrsten Sinne des Wortes, 'überall', was in

Wendungen wie 'kopflos sein', 'den Kopf verlieren' seinen Ausdruck findet." Sind wir in Form

und Gehalt also nur ineinander vermengtes schwärmerisches Moment?

Entsprechende Überlegungen leiten technologische Visionen, soziologische Konstrukte, Dys- und

Utopien. Schwarmintelligenz als individuelle Geworfenheit und Kontingenz ablösende

Zweckbestimmung menschlicher Erfahrung: durch Steuerung und Ordnung (ταχις) gelenkte

Kohärenz. Diesem positivistischen Erbe gehorcht auch das Credo der Komplexitätsreduzierung

durch Arbeitsteiligkeit, Fortschritt von Wissenschaft und Gesellschaft durch kumulative

(endliche) Beiträge, die Überwindung des horror vacui durch ein Postulat des Postindividuellen:

Synthese und Einfriedung bergen das Grundrauschen ein; mit Michel Serres gesprochen,

vervielfältigt sich das System hin auf einen "Binnenraum, [der] homogen, isotrop, [frei davon]"

ist. (Wird doch dem Schwärmerischen stets ein Pathologisches, zu Zivilisierendes, Domestizierendes

beigedacht.) Der Schwarm, als Organon, schließt die Unordnung ein – und damit aus.

Die Metapher des Schwarms vereint so das Ausschwärmen einer militärischen Einheit in

zielgerichteter Weise wie auch Phänomene der Interferenz von Information und physikalischer

Energie; sie evoziert den Bienenschwarm (Vogelschwarm) als potentiell bedrohliche

Angriffsformation in seiner Wechselbalgigkeit und molekulare Nanotechnologie, ambivalenter,

als Art chic oder auch apokalyptisches Grey-goo-Szenario; den Fischschwarm in seiner

ökonomischen Verwertungslogik sowie als Metonymie menschlichen Raubfischkapitalismus':

Ihnen allen eignet eine die je unmittelbare Asymmetrie und Dynamik gestaltende begriffliche

Fixierung auf den Schwarm als menschliche Grunderfahrung.

Franziska Beilfuss' Bilder greifen die Topologie des Schwarms prima facie über ihre räumliche

Gestaltung auf, über ihr Wechselspiel aus Licht und Schatten, Farbe und Monochromatik, und

eröffnen über spielerisch-modularisierbare Collagen aus Teilelementen, nicht unähnlich

Permutationen in der mathematischen Kombinatorik, einen assoziativen Raum, der im Wind

tänzelnde Blattreigen ebenso aufruft wie informationstechnologische Dual-Bit-Logiken, wie sie

dem modernen Individuum, bewußt, vorbewußt, unbewußt, alltäglich unterliegen. Schwärme

folgen Bewegungen von Anmut und strenger Gesetzlichkeit; – und nicht zuletzt hierin findet

sich der Mensch als Mensch auch wieder.

Publikation zur Ausstellung im Kreuzbergpavillion, mit Franziska Beilfuss, Markus Drapper, Rosa Lübbe, Florian Schramm, und Jens Klein, kuratiert von Anne Naundorf

erhältlich bei A.N.C. Projects

Welche Dinge behält der Mensch für sich? Welche sind im Verborgenen oder in der Öffentlichkeit sichtbar? Kann ein jeder in seinem privaten Haus er oder sie selbst sein?

Franziska Beilfuss hinterfragt das Profil der Dinge von Menschen und behauptet, es liegt den Suchmaschinen vor, die unmittelbar in jeder häuslichen Einrichtung existieren. Permanent werden private Informationen ins Netz gespeist, durch Algoithmen ein "selbst" definiert und der Besucher zum Konsumenten instrumentalisiet.

In Ihrer für die Ausstellung entstandenen Arbeit entwarf sie einen Paravent mit Zeichnungen und Malereien von ihren persönlichen Beobachtungen von Dingen in Haushalten in der Mongolei. Sie gibt dem Betrachter einen gedanklichen Anstoß, wie in der europäischen Kultur gelebt wird und welche Dinge als wertvoll erachtet werden.

Publikation zur Ausstellung „Ich beobachte dich“

mit Franziska Beilfuss, Markus Drapper, Florian Schramm..